カテゴリー: 音楽

グスタフ・マーラー
交響曲第５番嬰ハ短調

「生は暗く、死もまた暗い」。グスタフ・マーラー（1860～1911年）の声楽を伴った交響曲『大地の歌』に現れるフレーズである。現代世界で、今の日本で、このペシミスティックな言葉がふと脳裏をよぎるのは、はたして私だけであろうか。

後期ロマン派の交響曲作家として人気のグスタフ・マーラー。今日ではオーケストラ演奏会でもしばしば採りあげられるメジャー作品になっているが、一昔前まではかなり特殊な扱いだったように思う。６本とかそれ以上のホルンなど、大編成でなければならないし、そのうえ難しいとくるのだから、高い水準の四菅編成楽団でなければ演奏できなかったのであろう。３番や４番、『大地の歌』は声楽ソリストが、２番や８番はさらに合唱まで必要とし、コストの問題もあったに違いない。私が初めて聴いたのは、1972年に日本フィルが解散する折りの最後の演奏会、小澤征爾が指揮する第２番『復活』のFM放送だった。正直なところ、複雑すぎて良くわからなかったのだが…。

当時のオーケストラが演奏する交響曲は、ベートーヴェンやブラームスなどの“ドイツもの”が多く、せいぜいチャイコフスキーまでが定番だったと思う。来日するオーケストラの場合も同じで、あとはフランスの楽団なら、ベルリオーズ、チェコならドヴォルザークと、いわゆる“お国もの”が採りあげられるくらいだった。それがいつしかマーラーを軸にしたプログラムがごく普通に組まれるようになったのは、ゴージャスで迫力ある響きを求める聴衆と、オーケストラの演奏技術向上、そして経済的安定のたまものではなかろうか。


ここで紹介する交響曲第５番は、第４楽章アダージェットが、ルキノ・ヴィスコンティの映画『ヴェニスに死す』で使われたこともあり、マーラーの交響曲の中ではそれなりの知名度はあった。その静謐感にみちあふれた美しい旋律は、実に心地よい。しかし、私にとって印象的なのは、第１楽章、とりわけ冒頭に奏でられるトランペットの不吉なファンファーレに始まる《葬送行進曲》につきる。交響曲に葬送のメロディが現れるのは、なにもこの曲だけではないのだが、冒頭に置かれたところに衝撃がある。

マーラーの演奏で、私の世代が真っ先に思い浮かべるのは、おそらくレナード・バーンスタインとゲオルク・ショルティの二人だろう。音作り、演奏スタイルはまったく異なるが、どちらも作曲者と同じユダヤの血を引いている。ウィレム・メンゲルベルク、ブルーノ・ワルター、オットー・クレンペラーといった、生前のマーラーを知る人たちを第一世代とするなら、第二世代ということになる。ここに採りあげたヘルベルト・フォン・カラヤンも、その中に含めてよかろう。

20世紀半ばのクラシック界に君臨し、幅広いレパートリーを手掛けたカラヤンであったが、マーラーを採りあげるようになったのは、かなり後になってからのことである。この第５番の録音は1973年、65才の時だ。ワルターやジョン・バルビローリの演奏で、既にマーラーは有名になっていたし、バーンスタインやショルティ、ベルナルト・ハイティンクは交響曲を全集録音していた。大編成のワーグナーや複雑精緻なリヒャルト・シュトラウスを得意としていたカラヤンが、スペシャリストではないにせよ、なぜマーラーをレパートリーの範疇外に置いていたのか。

第二次大戦中、指揮者のポストを得るためにナチス党員となったカラヤン。ユダヤ人音楽家への差別政策の加担者と見なされたことを理由にあげる人がいる。曰く、ドイツ楽壇の頂点を極めようとしていた彼にとって、マーラーを演奏することは自己否定につながるのだと。しかし、ユダヤ系の作曲家はいくらでもいる。カラヤンが交響曲を全曲録音したフェリックス・メンデルスゾーンもそのひとりだ。彼は、自身がマーラーを演奏するための機が熟すのを待っていたのではなかろうか。

カラヤンは、どんな作品であっても、その音と表現を徹底的に磨き込まずにはいられない完璧主義者だったし、独自の美学を持っていた。作曲家の感情移入が激しすぎるマーラーの作品は、あまりに生々しく、シェフにとって料理しづらい、アクの強い食材だったのだと思う。じっくり観察し、最良の調理法を編みだし、手兵ベルリン・フィルの演奏技術が十分な水準に達し、自分と楽団が最良の関係に昇華する時機、さらには納得いく録音技術の到来を読み切ったうえでの着手だったに違いない。最初に交響曲第５番が選ばれたのは、これが純粋な器楽曲だったからであろう。しかも、世に出たのは収録してから二年も後のことだった。甘く美しいだけでなく、冷静に計算されつくした、きわめて精妙かつ密度の濃い響きに仕上げられている。

冒頭のトランペットを吹くのは、ベルリン・フィルの奏者ではなく、当時10代の天才少年トランペッターだという。そのフレーズの美しさ、そして不思議な印象。他のどの演奏とも異なる、カラヤンならではの奥深い耽美主義とでもいえば良いだろうか。このメロディは、肉体の葬送なのか、それとも精神のそれなのか、はたまた社会を示しているのか…。ベルリン・フィルの機能美が可能にした、クライマックスへとつづく重層的な音響。それらは、もしかしたらマーラーの本質とは乖離したものなのかもしれない。そうした一抹の不安と同居する充足感。それゆえ、この演奏は、ある種の異端であり、現代におけるマーラー解釈にとって避けられない問題を投げかけているようでもある。

マーラーとカラヤンによる葬送行進曲は、われわれをどこに連れて行ってくれるのだろう。

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映画紹介

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（しみずたけと）　2021.5.24

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フェリックス・メンデルスゾーン
交響曲第3番イ短調『スコットランド』

コロナ禍で引きこもりになりがちな日々。政府の自粛要請に従うつもりはないのだが、感染は避けるにこしたことはないので、古いCDを引っ張り出して聴く今日この頃である。今回は、しばらくご無沙汰だったメンデルスゾーンの交響曲第３番『スコットランド』。なぜメンデルスゾーン？

フェリックス・メンデルスゾーンは1809年の生まれだから、シューベルトやベルリオーズより少し後、シューマンとは同世代の人。『ヴァイオリン協奏曲』と『夏の夜の夢』の「結婚行進曲」はあまりにも有名だ。彼は五つの交響曲を作曲しており、第３番『スコットランド』、第４番『イタリア』、第５番『宗教改革』の３曲が良く演奏される。出版順に番号が付けられているが、最後に完成させた交響曲が第３番で、初演は1842年、作曲者自身がカペルマイスター（楽長）を務めるライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団によっておこなわれた。第４番と第５番は死後の出版である。

20歳の時に風光明媚なスコットランドを旅したメンデルスゾーン。よほど感銘を受けたようで、名所フィンガルの洞窟では、その場で殴り書きした主題が序曲「フィンガルの洞窟」になり、第３交響曲に「スコットランド」の表題が付けられたのも、旅行中に得た霊感によるものだという。耳をすませば、一流の画家が描いたようなスコットランドの風景が浮かび上がってくる。

スコットランド、イタリアといった具象的な表題、建築的で堅固な構成、古典主義とロマン主義を巧みに融合した擬古典的な趣向、まるで額におさまった名画を思わせる作風。それは、ドイツ生まれだがユダヤ人の血を引くメンデルスゾーンが、ヨーロッパ社会で生きていくため、自身を防護するためのバリアー、あるいはカモフラージュだったのではあるまいか。25才の若さで、名門ライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団のカペルマイスターに任命されながらも、抑圧された異邦人として、疎外感と孤独感にさいなまれていたのではなかろうか。リヒャルト・ワーグナーが批判したのは、彼のユダヤ的なものを嗅ぎ取ったからだったのかもしれない。

晩年のメンデルスゾーンは、神経症と過労に苦しめられ、38才でこの世を去った。この曲には、陽光の下に霧がたなびく爽やかなスコットランドの景色を背景にしながらも、悲しみと怒りが垣間見えるような気がする。

　＜CD＞

なにしろメンデルスゾーンの交響曲の中では一番人気（たぶん）の曲なので、録音は数多ある。

①クレンペラー盤

組織内の政治に関心がなかったのか、実力がありながらもポストに恵まれることのなかったオットー・クレンペラー。そんな彼を、来たるべきレコードの時代を予見したEMIの名プロデューサー、ウォルター・レッグは、自身が創設したフィルハーモニア管弦楽団の指揮者に抜擢する。『スコットランド』の名演として、必ずあげられる一枚。60年も前の録音だが、骨太でありながら繊細、そんな矛盾した表現しかできない秀演である。

指揮：オットー・クレンペラー
演奏：フィルハーモニア管弦楽団
録音：1960年

　　

②マーク盤

スイス出身のペーター・マークは、モーツァルトとメンデルスゾーンのスペシャリストとして有名で、東京都交響楽団との録音があるにもかかわらず、日本における知名度の低さが実に惜しい。大学で哲学と神学を修めたからであろうか、その演奏は理知的で一服の清涼剤のような爽やかさがある。個人的にはイチオシの演奏。これも古い録音だが、明瞭で好バランス。当時のデッカは本当に優れた録音技術を有していたことを感じさせる。

指揮：ペーター・マーク
演奏：ロンドン交響楽団
録音：1960年

　　　　

③アバド盤

ロリン・マゼール、小澤征爾、ズービン・メータと並び、カラヤン＆バーンスタインの次代を担う四天王と呼ばれたクラウディオ・アバド。後にウィーン･フィルやベルリン･フィルの音楽監督を歴任する彼だが、この『スコットランド』は若々しいアバドで聴きたい。1984年のも名演だが、ここではあえて1968年の録音を選んでみた。クラシック音楽界を牽引することになる才能が、この頃すでに開花していたことがわかる。

指揮：　クラウディオ・アバド
演奏：　ロンドン交響楽団
録音：　1968年

　　

指揮：　クラウディオ・アバド
演奏：　ロンドン交響楽団
録音：　1984年

　　

④マズア盤

作曲者もカペルマイスターを務めたライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団の 演奏は、やはりはずしたくない。クルト・マズアの指揮による録音は、1972年と 1987年があるが、どちらも陰影に満ちた重厚な音色だ。彼のタクトが響かせる音楽は、市民社会を築こうとするミュージシャンたちの魂の叫びなのかもしれな い。その理由？後の部分を読んでほしい。

指揮：　クルト・マズア
演奏：ライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団
録音：　1987年

他にも、カラヤンとベルリン・フィル、バーンスタインとニューヨーク・フィルハーモニックなど、聴き応えのある録音は目白押しだ。ブリュッヘンが率いる古楽器による演奏で有名な18世紀オーケストラなどというものもある。ひいきの指揮者や楽団があるなら、そうした好みの演奏を選んで聴いてほしい。

　　

ライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団とクルト・マズア

ヨーロッパの音楽界は、もともとは王侯貴族らが自分たちの城や宮殿などで専属の楽団を用いて音楽会を催しているのがあたりまえだった。そうした中で、1743年、市民階級による世界で初めての楽団として発足したのがゲヴァントハウス管弦楽団である。入場料を払えば誰もが音楽を楽しむことができる、まさに市民のためにスタートした楽団なのだ。

1970年から四半世紀にわたって同楽団のカペルマイスターを務めたクルト・マズア。1989年10月9日、民主化を要求する７万人もの市民が参加したライプツィヒの「月曜デモ」に対し、秘密警察と軍が銃口を向けた。マズアは天安門事件の再現を恐れ、市民に対する武力行使を避け、平和的解決のための対話を東ドイツ当局に呼びかけ、東欧の「ビロード革命」、そして「ベルリンの壁崩壊」への起点となったのである。

2009年10月9日、無血に終わった奇跡の「月曜デモ」の20周年を記念する式典がゲヴァントハウスでおこなわれた。ケーラー大統領、メルケル首相、ザクセン州首相、ライプツィヒ市長らが出席する中、マズア指揮でゲヴァントハウス管弦楽団が演奏。ヨーロッパ現代史の中で、このコンビは音楽というジャンルを超えて燦然と輝く存在だといえよう。

（しみずたけと）

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