投稿者: Ak.

ワーグナーは“人たらし”…

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　アントン・ブルックナー（1824～96年）。彼は信仰心篤いカトリック教徒だったにもかかわらず、俗物の権化とも言えるリヒャルト・ワーグナー（1813～83年）を尊敬し、大きな影響を受けた。影響を受けたのはブルックナーだけではない。当時多くの人がワーグナーの影響を受け、今日もなお多くの人が影響を受け続けている。はたしてワーグナーとは何者だったのか、彼の音楽は何であるのか。

　ワーグナーの伝記、彼の音楽に関する著述は数多あるので、興味ある方にはそちらを紐解いていただくとして、私の感ずるところを記しておこうと思う。

　ワーグナーといえば楽劇である。オペラ（歌劇）の一様式ではあるが、歌や付随音楽だけでなく、登場人物の言葉、身振りなどの所作、ストーリー展開、舞台装置など、演劇の要素を総合し、物語的な性格を最大化、しかも長大な作品としたところが特徴であろうか。神話や伝説を題材にしたりローマ帝国を舞台にするなど、古典的なギリシャ悲劇のスタイルを思わせたりもする。ロマン派の時代にあっても、この重厚長大さは他に類例を見ない。有名な作品を作曲年順に書き出してみる。

　歌劇『リエンツィ』　1837～38年
　歌劇『タンホイザー』　1843～45年
　歌劇『ローエングリン』　1846～48年
　楽劇『ラインの黄金』　1853～54年
　楽劇『ヴァルキューレ』　1854～56年
　楽劇『ジークフリート』　1856～71年
　楽劇『神々の黄昏』　1869～74年
　楽劇『トリスタンとイゾルデ』　1857～59年
　楽劇『ニュルンベルクのマイスタージンガー』　1862～67年
　舞台神聖祝典劇『パルジファル』　1877～82年

　1840年の『リエンツィ』は全５幕で３時間半を越す作品だったが、『さまよえるオランダ人』は２時間半ほどに収められた。1845年の『タンホイザー』になると３時間を少し超え、1848年の『ローエングリン』は３時間半と、再び長時間を要するもになる。このあたりまでは楽劇ではなく歌劇と称していた。

　楽劇という呼び名が使われるようになるのは、1853年に着手し1874年に完成した『ニーベルングの指環』からである。これは、序夜『ラインの黄金』、第一夜『ヴァルキューレ』、第二夜『ジークフリート』、第三夜『神々の黄昏』の四部となっており、それぞれ２時間半、４時間、４時間、４時間半と、全編で約15時間にもならんとす大作である。同時期に作られた1859年の『トリスタンとイゾルデ』は４時間、1867年の『ニュルンベルクのマイスタージンガー』も４時間半と、楽劇が様々な芸術的要素を詰め込んだ性格のものであることを表していると言えよう。

　ワーグナーは自身の作品を上演するための専用の劇場を、パトロンのバイエルン国王ルートヴィヒⅡ世の援助によって建設した。人を魅了するといえば聞こえが良いが、要は“人たらし”の才能である。彼の楽劇に惹かれる人が多いのは、様々な人の嗜好を見越した上で、「これでもか！」というくらい“引き”を取り込んでいるからであろう。登場人物、物語とそのテーマ、台詞、音楽、誰にとっても必ずお気に入りの箇所、要素が見つかるような仕掛けがなされている。人は自分にとって都合の良いところに神経が行きがちだからだ。そうした大衆の求めを計算し尽くしたところも、まさに“人たらし”の真骨頂と言えよう。

　ヒトラーの一番のお気に入りは『ニュルンベルクのマイスタージンガー』だったという。ハッピーエンドで終わるからであろうか。『ローエングリン』の結末は、決してハッピーエンドではなかった。ただ、国王ハインリヒによる「ドイツの国のために、ドイツの剣をとれ！」の台詞が、第三帝国とゲルマン民族の国威発揚のために、あらゆるところで、あらゆる機会に利用されたのは確かである。これを皮肉まじりに描いたのがチャールズ・チャップリン（1889～1977年）の映画『独裁者』だった。

　無償の愛だけが救済をもたらすという『さまよえるオランダ人』や『タンホイザー』のテーマは、ヒトラーの信条とは食い違っていたであろうし、神々の世界が崩壊して終わる『ニーベルングの指環』も、彼の目指す世界観とは相容れるものではなかったと思う。ヒトラーもナチスも、つまみ食い的に利用しただけで、丸ごとワーグナーが好きだったわけではなさそうである。

　登場人物や事象を示すライト・モティーフの導入は、ベルリオーズの『幻想交響曲』で使われた固定観念の進化形であろうが、今日の映画でもお馴染みだ。『スター・ウォーズ』や『インディ・ジョーンズ』の映画音楽を担当したジョン・ウィリアムズ（1932年～）も、しっかりこの手法を踏襲している。ジョージ・ルーカス（1944年～）の『スター・ウォーズ』という作品自体もそうだが、レイア姫のテーマとかフォースを表す音楽など、ジョン・ウィリアムズがワーグナーの音楽スタイルを受け継ぐ者と目される所以だ。

　なにしろ〈ワグネリアン〉などという呼び名もあるくらいだから、現代人もみごとに“たらし込まれている”と言えよう。バルザックを「偉大な俗物」と呼ぶ人がいたが、ワーグナーもまさに音楽界のそれである。

　何を隠そう、私もまさにそのひとりだったのだ。私がワーグナー作品に惹かれたのは、ゲルマン伝説的なものより、エッダやアイスランド・サガなどの北欧神話、アーサー王と円卓の騎士の物語を彩るコーンウォールとブルターニュ半島の関係に興味があったからである。バイロイト音楽祭のライブを含め、何種類ものレコード、総譜を買い求めたりもした。高尚なワグネリアンなどではなく、ただの“ワーグナーおたく”でしかなかったのだが。

　ワーグナーの楽劇にワクワクし、あれほどまで繰り返し聴いた音楽ではあったが、いつしか思いが薄れていくのを感じるようになった。元ネタの神話や伝説をそのまま演劇化するわけにはいかない。芸術に換骨奪胎はつきものである。部分の抽出、継ぎ接ぎはやむをえないことである。しかし、視聴覚を伴わない文学では、想像力が制限されない分だけ、読み手の力によって無限に深遠化が可能である。文字で読んだエッダやサガの方がはるかにスケールが大きく、また深いものに感じられたのである。どのような作品にも作者の主張はあるのだが、ワーグナーのそれはやや片面的であり、押しつけがましさもある。

　「ワーグナーの音楽は人を酔わせる」。そのような言い方をされたりするが、それは余計な詮索をまじえず、あるがまま受け止め、あるいは気に入った箇所だけに熱中できる場合に限られるのではなかろうか。様々な解釈を試み、思考を醸成させたりすると、むしろ「人を惑わす」ものとなっていく。理性や論理ではなく情緒への直接的な訴求、ワーグナーの音楽にはそういう指向性があるように思う。

　作り手と受け手のせめぎ合いであるが、ナチスはこの「人を酔わせる」面を最大限に利用したと言えよう。もちろん、そこにはプロパガンダ、教育やメディアへの介入との連携があってこそのものだったのだが…。芸術は人に力を与えるものであるが、気をつけないと誘導され利用されてしまう危険が常に伴う。ワーグナーの音楽に触れるときは心したいものだ。

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　ワーグナーの楽劇を通しで聴くのは大変だし、そもそも舞台あっての音楽というか、総合芸術としての作品だから、劇場に足を運ぶのが正統というものである。ワーグナーの音楽がどんなものかを知るためであれば、よく知られた序曲とか前奏曲を聴けば十分なのではあるまいか。それで物足りなさを感じるようなら、その時あらためて全曲に当たるなり、観劇に行くなりしたら良いだろう。

１）カラヤン盤　①

１．歌劇『タンホイザー』序曲（パリ版）
２．歌劇『タンホイザー』ヴェーヌスベルクの音楽（パリ版）
３．歌劇『ローエングリン』第１幕への前奏曲
４．楽劇『トリスタンとイゾルデ』第１幕への前奏曲と愛の死

指揮：ヘルベルト・フォン・カラヤン
演奏：ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団
録音：1974年

２）カラヤン盤　②

１．楽劇『ニュルンベルクのマイスタージンガー』第１幕への前奏曲
２．歌劇『さまよえるオランダ人』序曲
３．歌劇『ローエングリン』第３幕への前奏曲
４．舞台神聖劇『パルジファル』第１幕への前奏曲
５．舞台神聖劇『パルジファル』第３幕への前奏曲

指揮：ヘルベルト・フォン・カラヤン
演奏：ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団
録音：1974年

　まずはベルベルト・フォン・カラヤン（1908～89年）の二枚の管弦楽曲集。ワーグナーを得意にし、『タンホイザー』以外の主要作品はすべて録音しているだけあって、ベルリン・フィルとの関係が最も良好だったこの時代の演奏には、そのエッセンスが凝縮されている。荒々しいまでの『さまよえるオランダ人』、『タンホイザー』の壮麗さ、陶酔的で美しい『トリスタンとイゾルデ』、カラヤンとベルリン・フィルが残した膨大な録音の中でもとりわけ印象的なものとなっている。

３）ショルティ盤

１．歌劇『リエンツィ』序曲
２．歌劇『さまよえるオランダ人』序曲
３．歌劇『タンホイザー』序曲
４．歌劇『タンホイザー』バッカナール

指揮：ゲオルク・ショルティ
演奏：ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団
録音：1961年

　ワーグナー演奏でゲオルク・ショルティ（1912～97年）とウィーン・フィルの演奏を外すわけにはいかないだろう。なにしろ史上初めて『ニーベルンクの指輪』四部作全曲のスタジオ録音を完成したコンビなのだから。それとほぼ同じ時期に録音されたのがこのアルバムである。溌剌としたパワーに満ちた『さまよえるオランダ人』と『タンホイザー』の序曲は特に素晴らしい。後にシカゴ交響楽団を起用し、さらにパワフルなワーグナーを聴かせてくれたが、ウィーン・フィルの響きの方が厚みを感じられる。

４）クナッパーツブッシュ盤

１．楽劇『神々の黄昏』
　　　夜明けとジークフリートのラインへの旅
２．楽劇『神々の黄昏』
　　　ジークフリートの葬送行進曲
３．舞台神聖劇『パルジファル』
　　　クンドリの語り「幼な子のあなたが母の胸に」
　　　キルステン・フラグスタート（ソプラノ）
４．楽劇『ワルキューレ』
　　　「さようなら、勇ましいわが子」～魔の炎の音楽
　　　ジョージ・ロンドン（バス）
５．楽劇『トリスタンとイゾルデ』
　　　第１幕への前奏曲
６．楽劇『トリスタンとイゾルデ』
　　　イゾルデの愛の死「優しくかすかなほほえみ」
　　　ビルギット・ニルソン（ソプラノ）

指揮：ハンス・クナッパーツブッシュ
演奏：ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団
録音：1956年（1-3）、1958年（4）、1959年（5-6）

　ハンス・クナッパーツブッシュ（1888～1965年）のワーグナーは特別である。豪華、繊細、迫力、緻密、渋さ…、たぶんどれも違う。あえて言葉で言い表すとすれば“巨大”であろうか。ワーグナー作品を振らせて、この人ほど大きなスケールの演奏を聴かせてくれる人はいない。それくらい圧倒的な存在感がある。

　デッカ・レコードのプロデューサーだったジョン・カルショー（1924～80年）は、当初、クナッパーツブッシュとウィーン・フィルの組み合わせで『ニーベルンクの指輪』の全曲録音を目論んでいた。ところが、『ワルキューレ』の第１幕を収録した時点で頓挫。レコードなるものへの不信感、スタジオ録音につきものの練習が嫌いだった、楽団員や歌手のミスに不寛容…、いろいろ取り沙汰されるが、真相はわからない。やむなくカルショーはショルティに鞍替えしたということなのだろう。

　常連だったバイロイト音楽祭では素晴らしい演奏をしており、録音も残されているが、いかんせん当時のライブ収録技術が未熟なため、あまり良い音とは言えない。例外は1962年の『パルジファル』であろうか。その点、このアルバムはデッカの優れた録音技術と相まって、ワーグナー好き、クナッパーツブッシュのファンを満足させてくれるものになっている。また、ワーグナーの女王と謳われたキルステン・フラグスタート（1895～1962年）、圧倒的な声量と煌めくような高音域で最高のワグネリアン・ソプラノと称されたビルギット・ニルソン（1918～2005年）、バイロイト音楽祭のバス・バリトン歌手、ウォータン役で一世を風靡したジョージ・ロンドン（1920～85年）らの歌唱が聴けるのが嬉しい。

（しみずたけと）　2025.7.28

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穂高よさらば

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山 で 歌 う

　７月も下旬だ。終業式がすんで学校は夏休み。梅雨明けとも重なる時期である。「梅雨明け十日は晴天が続く…」と言われたのはいつの時代だったろう。気候不順の近年、梅雨明けがハッキリしなかったり、梅雨明け十日の晴天が当てにならなかったことが多かった。この夏はまだマシな方だろう。

　海へ山へ、避暑と非日常を求めて出かける、それが半ば行事化した夏休みの過ごし方である。自分は“山派”だった。海も悪くないのだが、山と違って“アウェー感”が強い。足が着かないこともあるが、海には人間よりはるかにその環境に適応した海洋生物のテリトリーだ。その中に踏み込む不安感はどうやっても拭いきれそうにない。

　というわけで登山。目指すは北アルプスの穂高連峰か剱・立山連峰である。東京から遠いし、長期登山ともなれば行けるのは夏休みくらいだ。谷川岳とともに、日本の三大岩場を擁する山域。首都圏から比較的近場にある谷川岳は夏休み以外でも行けるので、「夏はアルプス」という登山者で賑わう。

　夕方の新宿駅、かつてはリュックサックを背負った若者でいっぱいだった。中高年が目立つ今日とは大違いである。夜行列車を待つために、構内の〈アルプスの広場〉や南口通路に並ばされたものである。奥秩父や八ヶ岳方面の登山者は23時55分発の長野行き鈍行を利用するが、より遠い北アルプスへは南小谷行きの急行〈アルプス〉に乗るのが定番だった。夜行列車も〈アルプスの広場〉も、今はもうない。

　穂高連峰のベースキャンプは岳沢と涸沢。上高地から、前者は２時間半、後者は約６時間の行程である。バリエーションの豊富さで、涸沢を拠点とする人たちが圧倒的に多かった。色とりどりのテントが張られ、涸沢団地などと呼ばれたものである。合宿組も多く、６人用とか８人用といった大きなテントもチラホラ。今日でもテント花盛りだが、ソロ（一人用）テントが多くなっているようだ。６人のグループでもソロテントが６張だったりする。プライバシーを大切にする人が多いのか、人づきあいが苦手な人が増えたのか。

　涸沢には二つの山小屋、涸沢ヒュッテと涸沢小屋がある。夕方ともなると、小屋やテントサイトから山の歌が聴こえてくるのが常だった。今と違い、大学の山岳部、ワンダーフォーゲル、職場の仲間たち、社会人山岳会など、グループ登山の最盛期。ともに食事をし、酒を飲み、歌を歌う。それがごく普通の光景だった。

　敗戦後、登山は数少ない余暇の利用方法だったと言えよう。大規模な遊園地などはまだなく、ゴルフは占領軍と一部の特権階級だけが興ずる遊び。テニスも、コート一面で一度にプレーできるのは二人か四人だけ、大勢が楽しむのに向いたものではなかった。一年中スケートができる屋内リンクが登場するのはずっと後である。その点、登山は一人でも少人数でも大人数でも、また短期間でも長期間でも、さらにはハイキングからクライミング、冬山登山まで、一年を通して様々な形で楽しむことができる柔軟性のあるレジャーでありスポーツだったのである。

　週休二日制が普及したのは1980年代。それまでは土曜半ドン、つまり土曜日の午前中は仕事があるのが普通だった。登山の支度をして職場に行き、退社後はそのまま山に直行。行き先は丹沢、奥多摩、奥秩父、せいぜい八ヶ岳といったところ。クライマーなら谷川岳である。そんなわけだから、みんな北アルプスに行ける夏休みが待ち遠しかったに違いない。

　山に登る彼ら・彼女らは歌が好きだった。山を愛する同じ仲間という連帯感だろうか、山小屋でもテントサイトでも、見知らぬ者同士が声を合わせていた。誰もが知っている「山男の歌」「アルプス一万尺」「四季の歌」、学校で教わった「おお牧場はみどり」「夏の思い出」などにまじり、「岳人の歌」「いつかある日」「坊がつる讃歌」「なため」、夏山にはちょっとそぐわない「雪山讃歌」「シーハイルの歌」「白銀は招くよ」等々。「フニクリ・フニクラ」「エーデルワイス」「おおブレネリ」といった海外の歌もあった。

　戦争中は忠君愛国の歌ばかりだったわけだが、あの種の歌が好きだった者などいたのだろうか。戦争がおわり、遊びも歌も抑圧から解放された喜びを皆が共有できた時代だったからかもしれない。職場や大学のグループにとっては、労働運動や歌声喫茶の影響もあったろう。「ともしび」「山のロザリア」などのロシア民謡が歌われたのはそのせいではあるまいか。今日、カラオケの普及によって、これが素人なのかと驚くほど、現代の日本人は歌が上手だ。しかし、子どもはともかく、カラオケ以外で人前で歌う、みんなで歌う機会は減ったように思う。歌は聴くだけ、あるいは閉鎖された空間だけで歌うだけ、そのようなものになってしまったとしたら、なんだか寂しくないだろうか。

穂高よさらば

　70年代以降。穂高連峰周辺でとりわけよく歌われたのが「穂高よさらば」ではなかろうか。作詞者は芳野満彦（1931～2012年）。17歳の時に冬の八ヶ岳で遭難、後に探検家、食生態学者として名を馳せる西丸震哉（1923～2012年）率いる東京水産大のパーティーに救助されるも、同行者は死亡、本人も凍傷のため指を含む両足先三分の一近くを失った。肉体的ハンディキャップを乗り越え、日本人として初めて欧州アルプス三大北壁に挑戦し、1965年に日本人初のマッターホルン北壁完登者となった戦後日本山岳界のレジェンドである。

　彼をモデルに、少年時代からマッターホルン北壁に成功するまでを、小説家の新田次郎（1912～80年）が雑誌『山と渓谷』に山岳小説『栄光の岩壁』を連載。当時中学生だった私も読んでいた。マッターホルンよりも、滝谷グレポンのルート開拓や前穂北尾根Ⅳ峰正面壁北条・新村ルートの冬季初登攀者、それが私にとっての芳野満彦像であるのだが。

作詞：芳野満彦　作曲：古関裕而

１．穂高(ほたか)よさらば　また来る日まで
　　奥穂(おくほ)に映ゆる　あかね雲
　　返り見すれば　遠ざかる
　　まぶたに残る　ジャンダルム

２．滝谷(たきだに)さらば　また来る日まで
　　北穂(きたほ)へ続く　雪の道
　　返り見すれば　遠ざかる
　　まぶたに残る　槍ヶ岳

３．涸沢(からさわ)さらば　また来る日まで
　　横尾(よこお)へ続く　雪の道
　　返り見すれば　遠ざかる
　　まぶたに残る　屏風岩

４．岳沢(だけさわ)さらば　また来る日まで
　　前穂(まえほ)をあとに　河童橋(かっぱばし)
　　返り見すれば　遠ざかる
　　まぶたに残る　畳岩(たたみいわ)

　芳野満彦が作詞したのは１番だけで、２番以降はその他大勢によるもの。三文字か四文字の地名は数多ある。それらと入れ替えればいくらでも続きを作れる、そういう内容の歌だった。一説によると10番くらいまであるらしい。作曲者は2020年のNHK連続テレビ小説『エール』で取りあげられた昭和を代表する作曲家の古関裕而（1909～1989年）。「えっ、あの古関裕而が山の歌？」と驚いた人もいるだろう。そうではない。これは替え歌なのである。

雷撃隊出動の歌

　戦後、古関裕而は「栄冠は君に輝く」「長崎の鐘」「君の名は」「ひめゆりの塔」「モスラの歌」「オリンピック・マーチ」など、映画音楽やドラマの主題歌、スポーツ大会のための曲を数多く作曲した。○○音頭、○○市民の歌、○○県民の歌など、地方のための音楽や社歌も残している。それはそれで意義深いことだが、戦前・戦中の古関裕而はどうだったのか。「六甲おろし」などもあったが、主要作品は「露営の歌」「愛國の花」「英国東洋艦隊潰滅」「決戦の大空へ」「若鷲の歌」「撃ちてし止まん」「ラバウル海軍航空隊」など、軍歌のオンパレードである。「納税奉公の歌」は税金で戦争を支えましょうという政府の要請にこたえたもの。まさに時代の寵児であり、〈軍歌の覇王〉などと呼ばれていた。「穂高よさらば」のメロディは、古関裕而の「雷撃隊出動の歌」そのものである。

作詞：米山忠雄　作曲：古関裕而

１．母艦よさらば　撃滅の
　　翼に映える　茜雲
　　返り見すれば　遠ざかる
　　瞼に残る　菊の花

２．炸弾の雨　突き抜けて
　　雷撃針路　ひた進む
　　眦高し　必殺の
　　翼にかかる　潮飛沫(しおしぶき)

　　天皇陛下　万歳と
　　最後の息に　振る翼
　　おおその翼　紅の
　　火玉と燃えて　体当り

３．雲染む屍(かばね)　次々て
　　撃ちてし止まん　幾潮路(いくしおじ)
　　決死の翼　征(ゆ)くところ
　　雄叫び高し　雷撃隊

　海の戦いが、戦艦同士の遠距離砲戦から航空戦にシフトして以降、相手軍艦を沈めるのは航空機による爆撃か魚雷攻撃になった。今日では誘導ミサイルに取って代わられたが、狭い区画めがけて投下する爆弾より、一定の長さのある艦腹に放たれる魚雷の方が命中率が高く、しかもそこは甲板より防御力が脆弱な吃水線下、攻撃方法としてははるかに有効だったのである。一方、魚雷を抱いて敵艦に向かう雷撃機の搭乗員らは最もタフな精神を必要とされた。雷撃コースに乗ったら魚雷を放つその瞬間まで、後方や上空から敵戦闘機の迎撃を受けようが、正面から雨あられのごとく対空砲火を浴びせられようが、その真っ只中を突入するのみ。それだけに犠牲も大きかった。

　蒸気カタパルトなどない時代、空母は風上に向かって全速前進する。発艦する機体に少しでも多くの揚力を与えるためだ。飛び立ったが最後、帰艦できる可能性は高くない。万感の思いで振り返れば、母艦の艦首には金色の菊花紋章が…。彼らは何を感じ、何を思ったのだろうか。天皇陛下か、日本の行く末か、家族や恋人のことか、今まさに潰えんとする自身の夢か、それとも…。「紅の火玉と燃えて体当り」など、後の特攻を思わせる歌であった。

古関裕而の軍歌

　軍国主義一辺倒の時代であるから、ヒット曲メーカーの古関裕而でさえ軍部には従わざるを得なかった。いや、国民的な人気があったからこそ、国家は彼を利用したとも言える。彼の音楽的才能が国民を喜ばすことができるのと同様、戦争に駆り立てるにも役立つ、と。それを知りながら、保身のために甘んじて受け入れたということなのだろうか。戦時中、彼は慰問団として中国やフィリピンに赴き、ビルマ戦線ではインパール作戦の顛末もその眼で見たはずだ。この戦争の相手の力量、戦局、戦争の実態を、一般の日本国民よりよく知っていた音楽家、それが古関裕而という男だったのではあるまいか。

　1944年10月10日、沖縄が大空襲を受けた。米軍のフィリピン攻略戦の布石で、〈十・十空襲〉と呼ばれる。その三日後、日本の航空部隊が台湾沖で米機動部隊を迎え撃ち、敵に壊滅的打撃を与えたというニュースが流れる。空母11隻、戦艦２隻を撃沈、さらに空母８隻、戦艦２隻も撃破という大戦果。もちろん国家によるフェイク情報なのだが、古関裕而はこの時「台湾沖の凱歌」を作曲。作詞はサトウハチローであった。もはや軍艦も航空機もなく、残るは体当たり攻撃というありさまだった日本。次に委嘱されたのは野村俊夫の詞に曲をつけること、「嗚呼神風特別攻撃隊」である。最初に神風特攻隊を称賛した作曲家、それもまた古関裕而であった。

　さらには「比島決戦の歌」。西條八十による１番の歌詞だけ記しておくが、威勢の良さと裏腹に、既に日本は断末魔。

１．決戦輝く亜細亜の曙　
　　命惜しまぬ　若桜　
　　今咲き競うフィリピン　
　　いざ来いニミッツ、マッカーサー　
　　出て来りゃ地獄へ逆(さか)落とし

　音楽も文学も絵画も写真も、およそ芸術というものは人間に勇気を与えるものであるべきだと思うが、多くの文化人も大政翼賛に絡め取られていった。心の呵責があったのか、戦後、古関裕而は「自分が作っていたのは軍歌ではなく戦時歌謡である」と言うようになる。しかし〈戦時歌謡〉とはいったい何だろう。戦争中に大衆が求め、大衆の間でヒットした、あの時代のJ-POPみたいなものなのか。そもそも戦時歌謡という言葉は戦後になってから生み出されたものである。

　戦前戦中、軍歌、愛国歌、国民歌、時局歌、いろいろな呼び名が存在し、あるものは唱歌に取り入れられて学校で教わり、またあるものは職場で、地域の集まりで歌われていた。それらを細分化し、別の名称を与えることにどれほどの意味があろうか。どれもが戦争を遂行するのに一役買った…、というより、戦争という国策に音楽家も積極的に協力したのである。

　たとえば音楽界の重鎮であった山田耕筰（1886～1965年）は、国策のための演奏家協会を発足させ、その会長に就任。情報局管轄下にあった〈日本音楽文化協会〉の副会長も務めている。彼の〈音楽挺身隊〉は占領地で活動し、軍装の山田耕筰の写真は将官待遇だったことを表している。戦後、戦犯に問われたり公職追放の憂き目にはあわずにすんだが、こうしたことが戦後の“戦犯論争”を招くことになった。戦争に協力した犯罪者なのではないのかと。

　古関裕而も、戦後、軍歌に対する批判が高まり、軍歌の覇王と呼ばれたことは負の要素に転じていたに違いない。「私の作った軍歌がヒットしました」というようなことを言いづらくなった。戦時歌謡という言い回しには、そのような背景を感じるのである。

　けっきょく、戦争に協力した音楽家の責任が問われることはなかった。国のトップである天皇が責任追求されなかった、責任をとることがなかった、だから音楽界をリードした人にも責任がない、そう言う人がいる。また、あの戦争は日本国民の総意だったのだから、被害者面して一部の人を責めるのは見苦しい、死者をむち打つなと言う声もある。それでは誰も責任追及されなかったかと言えば、そうではない。Ａ級戦犯はもちろん、ＢＣ級戦犯など、多くの者が上の命令に従ったがために処罰対象となっている。公職から追放された者もいる。それに、あの戦争は決して全国民の“総意”などではなかった。反対の声を上げた者は粛正されたのである。そうした犠牲者に対し、国策を支持した者、沈黙した者は加害者にほかならない。

　教育が少国民育成に果たした役割の大きさからであろう、教師の責任を問う声をしばしば耳にする。私は文学、とりわけ児童文学の中に、その種の作品があったことを忘れてはならないと思う。また、音楽家も責任を自覚すべきだったと考えている。山田耕筰や古関裕而が免責されたのは、おそらくその音楽的才能が理由であろうが、それと社会的道義や責任は切り離して評価されるべきものである。

　〈一億総懺悔〉という言葉があった。国民からの戦争責任追及を免れ、天皇制支配の維持を図る東久邇宮内閣が主張したものである。背後には平和運動家の賀川豊彦（1888～1960年）の働きもあった。「国民が一つとなり過去を反省し、懺悔して新しく出直す」というのである。一応もっともらしく聞こえるものの、一億総懺悔＝誰も責任をとらないという結果になった。日本が責任をとらなくて良い社会になったのは、この時からではあるまいか。戦争だけではない、冤罪事件、ヘイト、原発事故…、どれも責任を問われることなく、まるでなかったかのように、今日なお無批判のまま続いている。

「穂高よさらば」を歌う

　さて、山の歌に戻ろう。芳野満彦は満洲事変が起きた1931年に生まれた。物心ついたとき、日本は既に戦時体制の軍国主義だったわけだから、学校でも地域でも軍歌を聴かされ、歌わされていたとしても不思議ではない。その中に「雷撃隊出動の歌」も含まれていたのであろう。青春を賭けた山を巡る中で、脳裏に浮かんだ言葉が無意識に口ずさんだメロディに乗った…、それが「穂高よさらば」だったのではなかろうか。

　今日、登山みたいにキツい、汚い、危険の３Ｋレジャーを楽しむのは偏屈な年寄りか一部の物好きと見られる人だけになってしまった。みんなで歌うなどというウザいことも敬遠されがちである。もし「穂高よさらば」を歌っている人がいたら、それはきっと還暦を過ぎた往年の岳人、元・山ガールの中高年登山者たちだろう。この歌が芳野満彦という登山界のレジェンドによるものであることくらいは知っているかもしれないが、戦前戦中を生きたわけではない彼ら・彼女らである。「雷撃隊出動の歌」の替え歌であることまでは知らなくても、それが時代の流れというものだ。とはいえ、唱和しようにも、私にとってはどこかわだかまりを拭いきれない歌でもある。

:::　C D　:::

１）山の歌　～穂高よさらば～

　山の歌を専門に歌う職業歌手はいない。だからこのCDは、様々な歌手の様々なアルバムに収録された歌を集めたものになっている。音源も、あまり新しいものはない。「穂高よさらば」をはじめ、どれも時代を感じさせるアレンジと楽器の使い方なのだが、それもこれも山の歌をみんなが歌っていた時代の雰囲気を伝えるものと思えば、むしろ納得できるものとも言えそうである。

《 収録曲 》
１．山男の歌（ダーク・ダックス）
２．坊がつる讃歌（芹洋子）
３．谷川小唄（ブレッスン・フォー）
４．穂高よさらば（芹洋子）
５．熊彫さん（ダーク・ダックス）
６．山に煙がのぼる（ボニージャックス）
７．守れ権現（芹洋子）
８．雪山讃歌（ダーク・ダックス）
９．雪山に消えたあいつ（赤ちょうちん）
10．ひとりの山（芹洋子）
11．エーデルワイスの歌（たいらいさお）
12．山男小唄（芹洋子）
13．シーハイルの歌（ボニージャックス）
13．いつかある日（ダーク・ダックス）
14．俺等の恋（芹洋子）

２）古関裕而　戦時下日本の歌　～愛国の花～

　戦後の古関裕而しか知らない、戦前の作品で知っているのは「六甲おろし」だけという人には、彼のもうひとつの顔を知ってもらうのに好都合のアルバムである。これこそ戦前戦中に〈軍歌の覇王〉と呼ばれ、一世を風靡した古関裕而の代表作、彼の看板商品なのだから。

《 収録曲 》
CD 1
1．露営の歌　（中野忠晴、松平晃、伊藤久男、霧島昇、佐々木章）
2．さくら進軍　（松平晃、霧島昇、コロムビア合唱団）
3．暁に祈る　（伊藤久男、コロムビア男声合唱団）
4．海の進軍　（伊藤久男、藤山一郎、二葉あき子、コロムビア合唱団）
5．愛国の花　（渡辺はま子、コロムビア女声合唱団）
6．乙女の戦士　（高峰三枝子、コロムビア女声合唱団）
7．慰問袋を　（コロムビア合唱団、たかの羽児童合唱団）
8．婦人愛国の歌　（松原操、二葉あき子）
9．戦友の唄　（伊藤久男、コロムビア男声合唱団）
10．出征の歌　（伊藤久男、コロムビア男声合唱団）
11．戦場吹雪　（音丸）
12．月の国境　（伊藤久男、コロムビア合唱団）
13．戦場花づくし　（渡辺はま子）
14．弾雨を衝いて　（伊藤久男、コロムビア男声合唱団）
15．麦と兵隊　（松平晃）
16．満州鉄道唱歌・上　（霧島昇、松原操）
17．満州鉄道唱歌・下　（松平晃、コロムビア合唱団）
18．産業安全歌　（霧島昇、コロムビア合唱団）
19．嗚呼北白川宮殿下　（伊藤武雄、二葉あき子）
20．荒鷲慕いて　（松平晃、松原操、渡辺はま子、二葉あき子、香取みほ子）
21．憧れの荒鷲　（松原操、二葉あき子）

《 収録曲 》
CD 2
1．若鷲の歌　（霧島昇、波平暁男）
2．ラバウル海軍航空隊　（岡本敦郎）
3．決戦の大空へ　（藤山一郎、日蓄合唱団）
4．南進男児の歌　（霧島昇）
5．南進乙女の歌　（二葉あき子）
6．村は土から　（藤山一郎）
7．「戦陣訓」の歌　（伊藤武雄、伊藤久男）
8．納税奉公の歌　（藤山一郎、コロムビア合唱団）
9．大東亜戦争陸軍の歌　（伊藤久男、黒田進、酒井弘、コロムビア合唱団）
10．英国東洋艦隊潰滅　（藤山一郎）
11．我が家の風　（伊藤久男）
12．女子挺身隊の歌　（千葉靜子、日蓄女声合唱団）
13．突撃喇叭鳴り渡る　（楠木繁夫、三原純子、近江俊郎）
14．海を征く歌　（伊藤久男）
15．かちどき音頭　（松原操、佐々木章、近江俊郎）
16．雷撃隊出動の歌　（霧島昇、波平暁男）
17．嗚呼神風特別攻撃隊　（伊藤久男、コロムビア合唱団）
18．比島決戦の歌　（コロムビア合唱団）
19．ひめゆりの塔　（伊藤久男）
20．新しき朝の　（藍川由美）

（しみずたけと）　2025.7.25

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スコットランドの花

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　《アニー・ローリー》で紹介したCD『TRADITIONAL FOLK SONGS & MELODIES OF SCOTLAND』の中に“Flower of Scotland”があったのにお気づきだろうか。スコットランドの国歌である。「えっ？」と思われる方も多いだろうから、少し説明しておきたい。

　英国の国歌といえば“God Save the Queen”。いや、今は“God Save the King”か。昭和世代にとってはKingよりQueen、「神よ、女王陛下をまもり給え」の方がしっくりくるのだが…。立憲君主制だろうが何だろうが、王という存在が好ましいものであるとは思わないのだが、女性元首を認めるということでは、認めようとしないどこかの国よりはマシだとは言えそうであるが…。

　おっと、話がそれた。この“God Save the King”、スコットランドの人々は歌わない。“God Save the King”はイングランドの国歌であって、スコットランドにはスコットランドの国歌が別にあるから。それが“Flower of Scotland”である。

　1960年代初頭、スコットランド・フォーク・リバイバル期にコリーズというフォーク・グループが登場した。当初はビル・スミス（1936～2025年）、ロイ・ウィリアムソン（1936～90年）、ロニー・ブラウン（1937年～）のトリオだったが、66年にスミスが抜け、以後はウィリアムソンとブラウンがデュオとして活動。このウィリアムソンが作詞作曲した歌が「スコットランドの花」である。

Flower of Scotland

1.
O Flower of Scotland,
When will we see your like again
That fought and died for
Your wee bit hill and glen.
And stood against him,
Proud Edward’s army,
And sent him homeward
Tae think again.

1.
おゝスコットランドの花よ
いつ再び見ゆることあらんか
討ち死にせし者あり
ささやかなる汝が山河守らんがため
その者ら敢然と立ち向かい
驕れるエドワード軍を
退けしこと
思い起こすべし今一度

2.
The hills are bare now,
And autumn leaves
lie thick and still
O’er land that is lost now,
Which those so dearly held
That stood against him,
Proud Edward’s army
And sent him homeward
Tae think again.

2.
草木の枯れし丘に
秋の落ち葉
厚く積もりし
今は失われたる
かつて愛(いつく)しまれし地の上に
その者ら敢然と立ち向かい
驕れるエドワード軍を
退けしこと
思い起こすべし今一度

3.
Those days are past now
And in the past they must remain
But we can still rise now
And be the nation again!
That stood against him
Proud Edward’s army
And sent him homeward
Tae think again.

3.
そは過ぎし日のこと
しかし確かなことなり
今こそ立ち上がらん
国の再建なるぞ！
その者ら敢然と立ち向かい
驕れるエドワード軍を
退けしこと
思い起こすべし今一度

　スコットランドを支配しようと、プランタジネット朝イングランド王国のエドワードⅡ世（1284～1327年）が軍勢を率いてスコットランドに攻め込んだ。イングランド軍を迎え撃つのはロバート・ザ・ブルースことスコットランド王ロバートⅠ世（1274～1329年）。1314年、ロバートはバノックバーンの戦いでイングランド軍を撃破。スコットランドの誇りと独立をかけて侵略者と戦った祖先がいたこと、その歴史的事実を記憶に留めようという歌なのである。

　この歌はいつから人々の間で歌われるようになったのであろうか。私が思うに、それはラグビーの試合だったのではないのか。ラグビーワールドカップが始まる以前、ラグビーはアマチュアのスポーツだった。国の代表同士の試合をテストマッチと呼ぶ。試合の前に国歌斉唱もなければ、試合後の表彰式も国旗掲揚もない。そして試合が終われば敵も味方もない。だから「ノー・サイド」。後半が始まると応援団がチームの応援歌を歌う。テストマッチなら国歌である。

　五カ国対抗ラグビーをご存じだろうか。その五カ国とは、イングランド、ウェールズ、スコットランド、アイルランド、フランスである。これにイタリアが加わり、六カ国対抗となった。フランスやイタリアは主権国家だからわかるのだが、イングランド、ウェールズ、スコットランド、北アイルランドは〈グレートブリテン及び北アイルランド連合王国〉を構成する地方であって、主権国家ではない。それが堂々とひとつの国の代表として試合に臨む。しかもアイルランド・チームは、アイルランド共和国と北アイルランドという別個の国の合同なのだ。

　それはまるで本州チーム、北海道チーム、四国チーム、九州チーム、沖縄・台湾合同チームで五カ国…みたいではないか。イギリスは、外交や国防以外の財政や教育文化などについては地方分権が進んでいる。それぞれが議会を有しており、スコットランド銀行はイングランド銀行とは別に紙幣を発行している。そういえば、エディンバラにある博物館はスコットランド国立博物館、同地に本拠を置くオーケストラはスコットランド国立管弦楽団だ。

　イギリスは、EUからは離脱したものの、欧州内での地域協力を推進しながら、同時に国内の地方自治を尊重してきた。周辺のアジア諸国との緊張緩和や信頼関係の構築を図ることをせず、その一方で沖縄の自治を認めず、基地や原発立地に中央政府が政治介入し、中央集権化を進める日本とは対照的である。同じ島国であるのに、真逆の方向へ歩まんとする両国。比較してみると見えてくるものがありそうだ。

　「スコットランドの花」は、まずはラグビーの大会で、スコットランド・チームを応援するときに歌われ出した。やがてサッカーの応援でも歌われるようになっていく。国際サッカー連盟（FIFA）が主催するサッカーワールドカップでも、イングランド、ウェールズ、スコットランド、北アイルランドは、それぞれがナショナルチームとして個別に参加。欧州地区にはドイツ、フランス、イタリア、スペイン、ポルトガル、オランダなどの強豪国がひしめいているから、予選を突破するのは大変だ。一つにまとめた方がより強いチームにできて本戦に行くチャンスが増えそうなものだが、そういう選択はしない。自分たちはイングランドだ、俺たちはスコットランドだ、それぞれがプライドを持っている。

　ラグビーワールドカップが創設され、早くからプロ化していたサッカーと同様、ラグビーもまたプロ化した。あらゆるスポーツが商業主義に飲み込まれていくことには賛同したくないのだが、ラグビーやサッカーの試合が「スコットランドの花」を聴くきっかけになった人もいることだろう。

　「スコットランドの花」は、スコットランドのラグビー協会、サッカー協会が国歌として採用しているとはいえ、正式な国歌ではない。スコットランド政府や議会が「歌え」と言っているわけではなく、人々が「歌いたいから」歌っているだけである。法律に定められているのではない。言うまでもないが、歌わない者を処分するようなこともない。スコットランドは全体主義の国ではないし、そのような野蛮国でもない。

　「スコットランドの花」を国歌にしようという声は以前からある。スコットランド国立管弦楽団が2006年におこなったオンライン投票では、１万の回答のうち41%がスコットランド国歌として相応しいという結果だった。しかし国歌の制定について、スコットランド議会は「スコットランド政府が決定するものではなく、時間をかけて非公式に決定されるべき」と結論づけた。国歌は民衆の応援ソングである。国家権力によるトップダウンではなく、民衆からのボトムアップという自然な流れによって収れんしていくことが望ましいと判断したわけだ。当を得るとは、まさにこのことであろう。

:::　C D　:::

　コリーズというグループについては、既に説明したからいいだろう。このCDは、LP時代に出された『The Corries In Concert』と『Scottish Love Songs』の二枚のアルバムをセットにした、ある意味お得盤になっている。

　「スコットランドの花」は『In Concert』の方に収録されている。『Scottish Love Songs』には前に扱った「アニー・ローリー」のほか、スコットランドの国民的詩人ロバート・バーンズ（1759～96年）の“Ae Fond Kiss”があるのが嬉しい。ケン・ローチ監督による同名の映画『やさしくキスをして』も見てほしい。

The Corries In Concert

１．Johnny Lad
２．Wild Rover
３．Sally Free And Easy
４．Lord Of The Dance
５．Kid Songs
６．Liverpool Judies
７．Flower Of Scotland
８．Hills Of Ardmorn
９．Granny’s In The Cellar
10．Will Ye Go Lassie Go

Scottish Love Songs

１．Tiree Love Song
２．The Road To Dundee
３．Ca’ The Ewes
４．Annie Laurie
５．Hunting Tower
６．The Bonnie Lass Of Fyvie
７．Ae Fond Kiss
８．The Lowlands Of Holland
９．The Skye Boat Song
10．The Nut Brown Maiden

Traditional Folk Songs & Melodies of Scotland

（しみずたけと）　2025.7.1

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埴生の宿とロッホ・ローモンド

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　スコットランド民謡「アニー・ローリー」をとりあげた中で紹介した鮫島有美子のCD『庭の千草』に「埴生の宿」と「ロッホ・ローモンド」が含まれていたことに気づいただろうか。この二つの歌は《映画コレクション》にある映画にも出てくるので、それをまじえて少し触れておきたいと思う。

１）埴生の宿

　まずは市川崑監督の映画『ビルマの竪琴』から。ときはアジア太平洋戦争末期、ところは今日ミャンマーと呼ばれるビルマ。無謀なインパール作戦で大きな損害を出した日本軍は中立国タイを目指して撤退を余儀なくされていた。その中の部隊の一つ、音楽学校出身の井上小隊長に率いられ、苦しいときも悲しいときも、みんなで歌を歌いながら乗り切ってきた小隊の物語である。

　ビルマ人を装った水島上等兵が先行し、安全を確認すると竪琴を弾いて部隊を呼び寄せる。そんな敗退行がつづく。ところが、ある集落での露営中に英国の部隊に包囲されてしまった。応戦準備の時間稼ぎのため、包囲に気づかないふりをして陽気に歌う。それが「埴生の宿」だった。すると、それに呼応するかのように英兵たちが“Home, Sweet Home”を唱和してきた。「埴生の宿」の元歌である。戦争は既に終わっていたのである。井上小隊は武器を置く。彼らは収容所に送られ、日本に送還されるのだが、白骨街道と呼ばれ死屍累々の日本兵を供養すべく、水島上等兵はただひとり残ることを決意する…。

　むろん史実ではない。いわば大人のための童話、メルヘンである。しかし戦争終結後、ある日本兵が弔いのために現地に残ったというのは事実である。この小説の原作者である竹山道雄によれば、それは中国戦線であったが、日本兵と中国兵の間には共有できる歌がなかったので、舞台をビルマに置き換えたということらしい。この作品を、市川崑は1956年と1985年の二度にわたって映画化。曰く、「戦争は良くないことだと何度言ってもいい」。脚本はどちらもパートナーの和田夏十。

　文明開化の名のもと、日本は西洋音楽をせっせと取り入れた。里見義の訳詞による「埴生の宿」も、1889年、東京音楽学校出版の『中等唱歌集』に収録されて広く歌われるようになる。ほとんど日本の歌のように馴染んでいたこともあり、アジア太平洋戦争勃発後も敵性音楽として排除されずにすんだ。歌そのものに問題はなくとも、歌うこと、軍は歌うという行為をどのように見ていたのか。「歌とは何ごとだ。たるんどる。けしからん！」、そんな叱責、いや罵声が聞こえてきそうだ。そのようなことを映画を見ながら思ったものである。

　旧日本軍はイジメの巣窟だった。とりわけ新兵イジメは凄まじかったと聞く。いま放映中のNHK連続テレビ小説『あんぱん』にもそういう場面があった。「歯を食いしばれ！」と、殴る蹴るは日常茶飯事。ドラマだから大げさに誇張されて描かれたというわけではない。いったい日本軍は何のためにあって、何と戦う組織だったのか。

　新兵といえども貴重な戦力である。それを痛めつけたら自軍の戦力が低下するではないか。スポーツ、たとえばサッカーで考えてみよう。チーム内の選手を、加入したばかりだからといって痛めつけ、それで試合でのパフォーマンスが落ちたらチームは勝てなくなる。困るのは自分たちだ。目指しているのはリーグ優勝とかワールドカップではないのか。それともチーム内で威張り散らすことの方が大切なのか。考えたらわかりそうなものだ。

　およそ科学的でも論理的でも合理的でもない。それが旧日本軍だった…、と過去形で言い切ることには抵抗がある。なぜなら、今日の自衛隊でもイジメはなくなっていない。戦争に敗れて日本軍は解体されたが、警察予備隊、保安隊、自衛隊と、名称を変えながら日本軍は復活しつつある。それを担ったのは、旧日本軍の生き残り連中だ。かつてのイジメ体質もいっしょに引き継がれたに違いない。

　イジメ問題が旧日本軍と自衛隊に共通する闇だとしたら、それは日本人の国民性に由来するものだからなのか。たぶんそうではなかろう。外国の軍隊の中でもイジメはある。レイプは在日米軍の中でも問題になっており、被害者は女性に限らない。暴力で相手を屈服させるのが軍隊の本質だから、その構成員が暴力的であったとしても少しも不思議ではない。

　人を傷つけてはいけないという理性を削ぎ落とし、自分で考え判断する習慣を捨てさせ、盲目的な服従と事なかれ主義に染め上げる。その精度が高いほど優れた軍隊となる。また、ヒエラルキーは上下関係を軸とするから、イジメを生みやすい。階級に依存し、指揮命令系統の徹底こそが最重要視される軍隊ならではこそ、イジメは自然発生的に生じ、パワハラが横行するのは当然の帰結だろう。

　閑話休題。歌に戻ろう。だから『ビルマの竪琴』は大人のメルヘンだと言ったのだ。しかし、血生臭い現実に迎合し、悲しみや痛みを拡散するよりも、現実をメルヘンの世界に近づける方が良くはないだろうか。

埴生の宿（作詞：里見義）

１．埴生(はにゅう)の宿も　わが宿
　　玉の装い　羨(うらや)まじ
　　のどかなりや　春の空
　　花はあるじ　鳥は友
　　おゝ　わが宿よ
　　楽しとも　たのもしや

２．書(ふみ)読む窓も　わが窓
　　瑠璃(るり)の床(ゆか)も　羨まじ
　　清らなりや　秋の夜半(よわ)
　　月はあるじ　虫は友
　　おゝ　わが窓よ
　　楽しとも　たのもしや

　イギリス民謡からとられた唱歌ということになっているが、元歌の「ホーム・スイート・ホーム」は、英国の作曲家ヘンリー・ビショップ（1786～1855年）が1823年に作った歌劇『ミラノの乙女クラリ』の中に登場する歌で、歌詞は米国ジョン・ハワード・ペイン（1791～1852年）によるもの。日本に入ってきたのは、英国でも半ば民謡化しており、歌劇の挿入歌という認識はなかったからなのだろう。

Home, Sweet Home

1.
Mid pleasures and palaces though we may roam,
Be it ever so humble, there’s no place like home!
A charm from the skies seems to hallow us there,
Which seek thro’ the world, is ne’er met elsewhere.
Home! home!
sweet, sweet home!
There’s no place like home,
there’s no place like home!

1.
愉悦に身を置き　屋敷の中をめぐれど
粗末なりとも　わが家にまさるところなし
天からの恵み　尊き場にし給う
いずこを探せど　他に代わるところなし
わが家よ
愛すべきわが家よ
わが家が一番なり
ここにまさるところなし

2.
An exile from home splendor dazzles in vain;
Oh, give me my lowly thatched cottage again!
The birds singing gaily that came at my call;
Give me them with the peace of mind, dearer than all.
Home! home!
sweet, sweet home!
There’s no place like home,
there’s no place like home!

2.
去りし素晴らしき故郷　虚しく輝くのみ
粗末なる藁葺き屋　われに与え給え
呼べば楽しげにさえずり来たる鳥たち
なににもまさる心の安らぎとともに　われに与え給え
わが家よ
愛すべきわが家よ
わが家が一番なり
ここにまさるところなし

　豪華な邸宅を羨む必要はない。たとえ粗末であろうとも、わが家こそが一番の場所。唱歌になった「埴生の宿」は、徹頭徹尾そのことを歌っている。元歌の雰囲気、ニュアンスをなかなか良く伝えていると思うのだが、「ホーム・スイート・ホーム」の二番は、故郷を失い、安らぐことのできる場所としての家を与えてほしいという切ない歌詞になっている。

２）ロッホ・ローモンド

　もうひとつはイギリス映画『イーディ、83歳 はじめての山登り』。30年にわたる夫の介護から解放された83歳のイーディ。娘は老人施設に入れたがるが、そこはどうにも馴染めそうにない。想い出の品を整理していたら、むかし父からもらった絵葉書が出てきた。スコットランドにある変わった形の山、そして「いつかいっしょに登ろう」の文字…。忘れかけていた夢を叶えるべく、たったひとりユーストン駅から夜行列車に乗り、ハイランド地方のスイルヴェン（標高731m）を目指すことに。

　なんだ、高尾山より100mちょっと高いだけじゃないか…などと馬鹿にしてはいけない。この山が位置するのは北緯58度。北海道より北、サハリンよりさらに北、カムチャツカ半島の中程と付け根の間くらいのところ。冬であれば強風吹きすさぶ氷雪に覆われた山である。

　登山基地はロッキンヴァーという名の町。登山に必要な装備は地元のアウトドア・ショップで装備を揃えた。登山中にスコットランド民謡の「ロッホ・ローモンド」を口ずさむイーディ。物語の舞台がスコットランドだからなのか。ロッホとは湖のことだが、ローモンド湖があるのはハイランド地方のほぼ最南端、むしろローランド地方の西といった方がわかりやすいかもしれない。それに対し、ここはハイランドの中でもかなり北に位置している。「ロッホ・ローモンド」は地元の歌ではないし、あたりの景観もまるで違う。彼女自身がスコットランドと何らかの関わりをもつということなのであろうか…。

　多くの日本人はイングランドもスコットランドも「英国」の名で一緒くたに括ってしまうが、両者の間には深い溝が横たわっている。

２）ロッホ・ローモンド（訳詞：近藤玲二）

水蒼(あお)き　川のほとり
風も蒼き　ロッホ・ローモンド
君が愛の　瞳に似たる
麗し岸辺よ　ロッホ・ローモンド

麗しき　川のほとり
我は待ちぬ　ロッホ・ローモンド
また幾度(いくたび)　めぐり逢瀬(おうせ)の
誓いもむなしき　ロッホ・ローモンド

誓いせし　川のほとり
君は帰らぬ　ロッホ・ローモンド
香りほほえむ　花はあれど
捧(ささ)ぐるすべなき　ロッホ・ローモンド

ああ水は　永遠(とわ)に変わらず
蒼き夢　ささやく
想い出の　流れつきせぬ
麗し岸辺よ　ロッホ・ローモンド

　　ローモンド湖は長さ40キロ弱、幅8キロほどの細長い湖。グレートブリテン島ではネス湖に次ぐ二番目の大きさで、最も深いところの水深は190メートル。東には標高974メートルのベン・ローモンドが聳え、風光明媚なロッホ・ローモンド・トロサックス国立公園の中心である。その美しさを称えながら、もう帰ることのない、二度と会うことのかなわない恋人を思う歌、それが「ロッホ・ローモンド」である。

　近藤玲二の歌詞では、生き別れか、それとも死に別れなのかはわからないが、昔と変わらぬ美しきローモンド湖畔に一人寂しく佇み、過ぎし日を回想しながら、帰らぬ恋人への思いを歌っている。だが、元歌では、故郷に残してきた恋人のもとへ帰ることのできない我が身を嘆く内容なのだ。

The Bonnie Banks o’ Loch Lomond

1.
By yon bonnie banks and by yon bonnie braes,
Where the sun shines bright on Loch Lomond,
Where me and my true love were ever wont to gae,
On the bonnie, bonnie banks o’ Loch Lomond.

Chorus :
O ye’ll tak’ the high road, and I’ll tak’ the low road,
And I’ll be in Scotland afore ye,
But me and my true love will never meet again,
On the bonnie, bonnie banks o’ Loch Lomond.

１．
うるわし岸辺　うるわし丘
光あふるる　ローモンド湖
愛しき人と　過ごせし思い出
ローモンド湖のうるわし岸辺　うるわし丘

＜コーラス＞
汝は地上の道を行き給へ　我は地下の道から
先にスコットランドに帰り着かん
愛しき人と　再び相見えることなし
ローモンド湖のうるわし岸辺　うるわし丘にて

2.
‘Twas there that we parted, in yon shady glen,
On the steep, steep side o’ Ben Lomond,
Where in soft purple hue, the highland hills we view,
And the moon coming out in the gloaming.

Chorus :

２．
二人は別れし　谷間の陰
ベン・ローモンドの　険しき山裾
淡い紫に染まりし　ハイランドの丘
黄昏の中　昇りくる月をば見たり

＜コーラス＞

3.
The wee birdies sing and the wildflowers spring,
And in sunshine the waters are sleeping.
But the broken heart it kens nae second spring again,
Though the waeful may cease frae their grieving.

Chorus :

３．
小鳥がさえずり　野の花は咲く
陽光の中　水面は静かに眠るごとし
破れし心に　巡りくる春なし
嘆き哀しみ　消え失せようとも

＜コーラス＞

　
　イングランドとスコットランドの関係には複雑なものがある。17世紀から18世紀にかけて、ロンドン大火とかペストの流行、オランダとの戦争、スペイン継承戦争、オーストリア継承戦争にまつわるフランスとの対立など、歴史上さまざまな出来事があった。うんと端折って、人物中心、とくに両国の王位を巡るところだけおさらいをしておこう。

　まずはチャールズⅠ世（1600～49年）。彼はステュアート朝のイングランド、スコットランド、アイルランドの王を兼ねていたが、1639年に起きた清教徒革命により王制は廃止され、49年に処刑されてしまう。しかし共和制は長続きせず、60年に王制がが復古。

　王位に着いたのはチャールズⅠ世の次男、亡命先のフランスから戻ってきたチャールズⅡ世（1630～85年）。兄は幼少期に亡くなっていたので、嫡男同然だった。しかしチャールズⅡ世には嫡男がなく、庶子（確認されているだけで14人いる）のみ。余計なことだが、これらの系譜は故ダイアナ妃やヨーク公爵夫人セーラにもつながっている。死去により、王位は弟のジェームズⅡ世が継承した。

　ジェームズⅡ世（スコットランド王としてはジェームズⅦ世）が即位すると、先代国王チャールズⅡ世の庶子モンマス公ジェームズ・スコット（1649～85年）が王位継承権を主張して反乱を起こす。それは鎮圧されたが、ジェームズⅡ世の親カトリックと専制政治が反発を招き、1688年に名誉革命が勃発。翌年、ジェームズⅡ世はフランスに亡命する。

　ジェームズ・フランシス・エドワード・ステュアート（1688～1766年）は、この追放されたジェームズⅡ世の次男である。こちらも長兄は夭折。名誉革命の反革命勢力であるジャコバイトは、ステュアート朝のジェームズⅡ世およびその直系男子を正統な国王として支持、カトリック国のフランスも後押しする。彼をしてイングランド王ジェームズⅢ（スコットランド王ジェームズⅧ世）と呼ぶわけだが、実際に彼を王位に着けたわけではない。

　その長男チャールズ・エドワード・ステュアート（1720～88年）がフランスを出発、スコットランドに上陸した。ようやく主役の登場。美男子だったので「ボニー・プリンス・チャーリー」と呼ばれる。スチュワート王家の再興を夢見るジャコバイトとフランスの後押しを受け、王位簒奪の兵をおこした。ジャコバイト蜂起である。チャールズⅢ世を名乗り、ハイランドの氏族やカトリック教徒たちを集め、エディンバラを占領。反撃体制の整わない政府軍を破りながら、イングランドのカーライル、プレストン、マンチェスター、ダービーへ進軍したが、彼らは軍を進め過ぎた。フランスの援軍は来ない。兵力は劣り、イングランドには支持してくれる十分な数のジャコバイトもカトリック教徒もまだ少なかったのである。

　ボニー・プリンス率いる勇猛なハイランダー（ハイランド戦士）たちだったが、撤退派と進軍派に分裂し、1746年4月16日、インヴァネス郊外のカロデンでカンバーランド公ウィリアム・オーガスタスの政府軍に完膚なきまで叩きのめされてしまう。この時の徹底した虐殺の酷さ、惨さにより、カンバーランド公は「屠殺屋」の名を頂戴することになり、現代に至るまでスコットランド人の対イングランド感情を悪くすることになった。

　ボニー・プリンスには３万ポンドもの報奨金がかけられたが、彼を裏切るものはなかったという。スカイ島のフローラ・マクドナルド（1722～90年）の援助を受け、変装しての逃走劇の果て、どうにかスコットランドを脱出、最後はイタリアのローマに没した。

　さて、歌に戻ろう。コーラス部分は戦友への語りかけのようだ。君が行くhigh road、直訳すれば「高い道」。自分が行くのはlow road、「低い道」となる。高い道と低い道、いったい何だ。スコットランドを離れた地で死んだ者の魂を、妖精が地下のトンネルを通って故郷に送り届けるというケルトの伝承がある。つまり、君は生き残って地上を歩いて帰れ。死にゆく僕の魂は地下の道で運ばれるから、君より先にスコットランドに帰り着くだろう。カロデンの戦いはスコットランドだから、そこではなく、イングランドで致命傷を負った、あるいはイングランド軍に捕らわれて処刑を待つ身のハイランド戦士の「別れの歌」に違いない。

　人類の歴史は、すべてがそうであるとまでは言わないが、暴力の歴史であった。少なくとも、不寛容の上に、あるいは不条理さを背景にしたものであることは間違いなかろう。こうした歌、物語を残すのはどちら側であるのか。スコットランドの独立を求める声が絶えないのは、こうした対イングランド感情が少なからず影響している。中国や韓国の人々の対日感情とも通ずるところだ。その時代を生き、実体験を有する人たちが存命であれば、なおさらであろう。

　ホロコーストの記憶を持つユダヤ民族も同様だ。歴史上の悲劇ではなく、現在進行形での暴虐を継続し、拡大し続けるのが他ならぬイスラエル国家となると、こちらまで人類の一員であることが恥ずかしくなってくる。なぜなら、それは600万人の犠牲を相対化し、過去の出来事のひとつ、歴史のワン・オブ・ゼムにしかねないからだ。繰り返してはならない悲劇ではなく、いつでも起こりうる（現に起きている）事象に矮小化されてしまうとしたら、これほど恐ろしいことはない。

　歴史を伝えるのは学校や教科書だけではない。歴史家や教育者の仕事だけでもない。歌が、物語が記憶を伝えていく。大勢が忘れても、完全に消えてなくなることはない。どこかで、誰かが、今も伝え続けるものだ。

　友との別れ、愛する者との永遠の別れ、二人で過ごした故郷ローモンド湖畔、その美しい景色の思い出、そしてこの世との別れ。「ロッホ・ローモンド」は、まさに悲哀の歌であり、いつまでも歌い継がれていくだろう。「ロッホ・ローモンド」を耳にするとき、様々なことが頭に浮かぶ。願わくは、こうした哀しい歌が新たに作られない現在と未来である。

:::　C D　:::

　日本語歌詞の「埴生の宿」と「ロッホ・ローモンド」は鮫島有美子のCD『庭の千草』で、元歌の“The Bonnie Banks o’ Loch Lomond”も『TRADITIONAL FOLK SONGS & MELODIES OF SCOTLAND』に収録されているので、それらを聴いていただくとして、ここではジョーン・サザーランドの歌う“Home Sweet Home”を紹介しておこう。

　ジョーン・サザーランド（1926～2010年）はオーストラリア生まれの名ソプラノだった。後に夫となる指揮者リチャード・ボニングによってベルカントの素質を見出され、その完璧な歌唱で、ロンドンのコヴェントガーデン、ニューヨークのメトロポリタン、ミラノ・スカラ座など、世界中の歌劇場を席巻。低音域から高音域までむらのない力強く美しい声だけでなく、演技力でも観衆を魅了した。

　彼女の日本での知名度や評価が低いのは、当時のオペラ評論家たちの眼が曇っていたから、耳が肥えていなかったからに違いない。文化というのは、言語、宗教、歴史や社会、政治経済の基盤といったすべてを背景に成立するものだから、それらを深いところで理解していないとわからないものだ。彼らへの批判ではない。戦後の混乱期を乗り越え、貧しさからようやく抜け出したばかりの日本で、それは仕方ないことだった。

　なお、外国の人名や地名を仮名表記するのには無理があり、どうやっても限界があるのだが、サザランドの方が原語の発音に近いだろう。間延び感が拭えないものの、「サザランドで検索したが見つからない」と言われるのも面倒なので、ここでは慣用的に使われるサザーランドという表記を用いた。

Joan Sutherland :　Home Sweet Home

１．The Gipsy and the Bird
２．Paria
３．Io Non Sono Piu L’annetta
４．Ideals
５．Il Bacio
６．La Serenata
７．Mattinata
８．Air de Nina
９．Indian Love Call
10．Love Will Find a Way
11．Waltz Song
12．Lo! Here the Gentle Lark
13．The Last Rose
14．Scenes That Are Brightest
15．I Dreamt I Dwelt in Marble Halls
16．Home Sweet Home

ジョーン・サザーランド（ソプラノ）
指揮：リチャード・ボニング
演奏：ロンドン交響楽団（1-7, 12-16）
　　　ニュー・フィルハーモニア管弦楽団（8-11）
合唱：アンブロジアン・ライト・オペラ合唱団（8-11）

1990年のお別れコンサート

鮫島有美子：埴生の宿

鮫島有美子：ロッホ・ローモンド

TRADITIONAL FOLK SONGS & MELODIES OF SCOTLAND：Loch Lomond

（しみずたけと）　2025.6.19

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孤高の人、悩める人

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　《天上の音楽》でブルックナーをとりあげた。アントン・ブルックナー（1824～96年）は、今でこそ交響曲作曲の巨人と言われたりもするが、半世紀前の日本ではそれほど話題になる作曲家ではなかったように思う。演奏会の曲目としても、またレコード店の棚に並ぶLPレコードも、ベートーヴェンやブラームスの後塵を拝していた。一部のクラシック通が聴く音楽、それがブルックナーの位置付けだったのではなかろうか。

　過ぎし日々を振り返ってみる。クラシック音楽を熱心に聴くようになった頃、既に海外のオーケストラの来日公演など珍しいものではなくなっていた。プログラムの前半はやや短めの序曲とか前奏曲。その次に組曲とかソリストをまじえた協奏曲。休憩をはさんでの後半は交響曲というのがお決まりのスタイル。前菜と主菜を組み合わせてコース料理の完成…、そんなところだろうか。国内オーケストラの演奏会も同様で、それは今もほとんど変わっていないように思う。

　メインディッシュの定番は、先にあげたベートーヴェンやブラームス。来日公演であれば、だいたいがＡプロ、Ｂプロ、Ｃプロなど、複数の演奏曲目を用意していたから、独墺系の楽団でなくても、たいていどこかに入れられていた。指揮者やオーケストラの国籍によって、たとえばフランスならベルリオーズ、ロシアならチャイコフスキーとかショスタコーヴィチ、チェコならドヴォルザーク、北欧系ならシベリウスと、郷土料理のメニューも用意されたりするのだが、それでもベートーヴェンやブラームスはスタンダード的な地位を築いていたように思う。

　時代が下り、やがてマーラーが定番メニューに加わってくるのだが、ブルックナーはさらに後になる。ブラームスと同じ時代を生き、同じように交響曲を残したブルックナー。ブラームスの四曲に対し、ブルックナーは未完の第９番まで作曲しているのだが…。彼は忘れられた存在だったのであろうか。避けられる理由でもあったのか。

　ブルックナーの交響曲は長い、繰り返しが多く退屈、難しいと言われたりする。LPレコードの時代には、一枚に収まらない、二枚組にすると値段が倍になる、埋め草も必要だ。買うのは一部のクラシック音楽通だから、レコード業界にとっては商品化しにくい、そんな事情があったのかもしれない。しかし、本当に演奏時間が長いのは第８番くらいだ。マーラーの交響曲はもっと長い。難しいというのは何だろうか。演奏上の技術的な難しさなのか、それとも聴いてわかりにくいということなのか。

　マーラーの交響曲の派手な終わり方は、確かに大衆受けしそうだ。一方、敬虔なカトリック教徒で天上の世界を見ていたブルックナーの音楽は、カトリックからは遠い、あるいは無宗教に近い私たち日本人には理解しにくいのかもしれない。だが待てよ。ブルックナーの交響曲の難しさは、そういった理由ではなく、演奏が様々だからかもしれない。いや、指揮者やオーケストラが違えば、演奏も音も違って当然である。そんなのは当たり前だ。そうではなく、楽譜が違うからなのではないのか。楽譜が違うということは、すなわち曲が違うということ。“稿”と“版”の問題である。

　稿と版、ブルックナー好きならピンとくるだろう。稿とは、ある作品を作曲者自身が完成と見なしたときの楽譜の状態である。最初に完成した状態を初稿とか第一稿と呼ぶ。後に修正を加えると、それが順に第二稿、第三稿となっていく。完成した年を用いて○○年稿とする場合もある。それに対し、印刷された楽譜を版と呼ぶ。初めて出版されたものが初版、複数の出版社がある場合は出版社の名前を付したりもする。

　ブルックナーという人、お人好しだったのか、精神的にあまりタフでなかったせいか、できあがった作品をいじくり回してしまう癖があった。弟子が「先生、これじゃ聴衆受けしませんよ。ここはこうした方がいいですよ」と言えば、「あぁ、そうかもしれんな」となり、「こんなのは演奏できませんよ。難しすぎます」と指揮者や演奏家が注文をつければ、「ん、そんなもんか」と直してしまったりする。だから稿がいくつもあるのだ。しかも、最初の稿に直接書き込んだりしているため、どの部分が修正された箇所なのかが判然としない。別の写譜を用意するとか、修正は別の色のインキで、などとしてくれたら実にありがたかったのだが…。中には、こんなに長くては演奏してもらえないだろうと、弟子が（善意だろうけれど）勝手にカットし、それが出版されてしまったり…。

　ブルックナーの元々の意図はどこにあったのか、なにをどう考えて修正したのか、様々な資料を調べ上げて研究者が整理したのが“校訂版”である。国際ブルックナー協会の音頭取りで原典版の校訂作業が始まり、オーストリアの音楽学者ローベルト・ハース（1886～1960年）が着手したのだが、彼は戦後、ナチスとの関係が問題視されて職を追われ、やはりオーストリアの音楽学者レオポルト・ノヴァーク（1904～91年）に引き継がれた。しかし、二人の校訂方針にはかなりの差異があり、日記や手紙なども参照しながら手を入れたハース版、純粋に残された楽譜をもとに作業を進めたノヴァーク版、両方ができてしまった。他に弟子たちによる改変版もあれば、その後の研究によって新たに編纂された版も現れている。

　ブルックナーの生きた時代、それは国民国家が成立していく時代でもあった。国家が成立するとき、自国と他国の間に国境線が引かれる。その地域の事情とは無関係に、そこから遠く離れた政治の中枢がその“線”を決める。同じもの同士が分断され、違うもの同士が統合される。当然、そこに軋轢が生ずる。ある意味、国家建設とは、民衆に負担と犠牲を強いる側面を併せ持つ。国ができること、その一員になることを喜んでばかりはいられないのである。

　リンツという田舎町に生まれ育ったブルックナーは、音楽文化の中心であるウィーンにやってくるのだが、そこは政治の中枢でもあった。天上の世界を見上げ、孤高を保とうとしても、周囲の現実と向き合わないわけにはいかない。彼の迷いは、期待と不安の入り混じった変わりゆく社会と、どうにか折り合いをつけようとする苦悩だったのではあるまいか。

　指揮者が誰で、どのオーケストラかだけでなく、どの稿、どの版を聴くかを悩まなければいけないとしたら、これは相当に面倒なことである。同じ曲なのに、聴いた人同士の会話が成り立たないことだってあるだろう。私は音楽学者ではないので、どの稿が良くてどの稿は物足りない、どの版が正しくてどの版は間違いなどと言うつもりはない。ただ、作曲したブルックナーの“揺れ動く心”を感じ取ることができれば、それもまた興味深いと思うのだ。ここでは交響曲第３番の第１稿と第３稿のCDを聴いてもらおうと思う。どちらもノヴァークによる校訂版である。

ブルックナー：交響曲第３番ニ短調

　ブルックナーがリヒャルト・ワーグナー（1813～83年）を敬愛していたことは前に書いた。この交響曲第３番は、ブルックナーがワーグナーに献呈したことから『ワーグナー』の題が付けられている。版は六つかそれ以上あり、第１稿が完成したのが1873年で第２稿が1877年。1888年、大幅な改訂に着手し、翌年に第３稿として完成をみた。この間、16年。交響曲第８番を改訂した時期と重なっている。

　第３稿は、第１稿、第２稿に比べて短縮され、無駄を省いて洗練された結果、より効果的な音楽となっている。第１稿にあったワーグナーの楽劇からの引用も減らされた。そのおかげかどうかはわからないが、第１稿の初演がかんばしくなかったのに対し、第３稿による初演は大成功だったという。反面、荒々しいまでの幻想性の噴出、豪快さが渦巻くブルックナーらしさが影を潜めてしまっていることも否めない。ワーグナーに対する思いが薄れでもしたのであろうか。

　敬虔なカトリック信徒で、教会のオルガニストでもあったブルックナーは、常に天上の世界を見ていた。彼の作品は、宗教曲はもちろんのこと、交響曲も世俗とは一線を画し、神への祈り、神への感謝に充ち満ちている。ワーグナーを尊敬はしていたが、ある意味、世俗的な名声を求めたワーグナーとは正反対の立ち位置にある孤高の人だった。それゆえ、苦悩も多かったのではあるまいか。作曲者本人がこの第３稿を決定稿とした事実は尊重すべきだが、彼の人生をあれこれ想像しながら聴く交響曲第３番というのも、いろいろな意味で興味深いものだ。

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１）セル盤（1889年 第３稿 ノヴァーク版）

　まずは昔から演奏されることの多い第３稿から。ハンガリーに生まれ、ウィーン音楽院でピアノ、指揮、作曲を学んだジョージ・セル（1897～1970年）にとって、ブルックナーは身近な作曲家であったはずだ。その端正な音作りは、モーツァルト、ベートーヴェン、ブラームスなど、独墺系の正統とされる一方、コダーイ、ドヴォルザークといった中欧の音楽の土臭さを上手に料理し、洗練された一品として、またムソルグスキーやチャイコフスキーなどのロシア系音楽をダイナミックに聴かせてくれる。古典的で清潔な音作りをする人という印象を抱かれがちだが、ワーグナーやブルックナーになると、ゆったりしたテンポの中に豊かで多彩な音を、しかも鋭い切れ味で響かせる。

　この交響曲第３番でも、自身が全米一のオーケストラに育て上げたクリーブランド管弦楽団の能力を最高に引き出し、遅めのテンポを保ちながら、オルガンのような壮麗で深みのある音を聴かせてくれる。決して新しい録音ではないが、素晴らしい音響のセヴェランス・ホールのおかげで、今日なお少しも古びていない。

指揮：ジョージ・セル
演奏：クリーブランド管弦楽団
録音：1966年

　

２）インバル盤（1873年 第１稿 ノヴァーク版）

　このエリアフ・インバル（1936年～）による演奏がクラシック界に与えた衝撃は、第３稿による演奏がスタンダードだった中で、あえて第１稿をとりあげ、第３番へのワーグナーの第３番への影響を目の当たりにしてくれるものだったからだ。第１楽章には『トリスタンとイゾルデ』から「愛の死」が引用されているし、これを思わせる響きが第２楽章にも現れる。さらに、第３稿にはない第２楽章の弦楽器群によるオブリガードの音型は、まさに『タンホイザー』序曲であり、それが複雑なシンコペーションの連鎖になっていくところには誰もが驚かされるに違いない。そうした箇所を探すつもりで聴くのも面白いだろう。

　なんとなくではあるが、マーラーが得意な指揮者とブルックナーが得意な指揮者は別な感じがするのだが、インバルはどちらの演奏にも抜群の手腕を発揮する人である。東京都交響楽団の桂冠指揮者という地位にあり、このコンビによる演奏会を聴く機会に恵まれた人は幸運だ。今後ライブを聴く機会があったら、絶対に逃したくないものである。

指揮：エリアフ・インバル
演奏：フランクフルト放送交響楽団
録音：1983年

（しみずたけと）　2025.6.12

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